discographie

John Coltrane est l'un des premiers noms qui apparaissent au moment de se plonger dans l'univers du jazz, mais il n'est pas simple d'appréhender son oeuvre du fait de sa diversité. Constamment à la recherche de nouvelles sonorités et désireux de faire évoluer son jeu, il participe activement à l'évolution du genre. Après avoir joué avec les plus grands musiciens dont Dizzy Gillespie, Miles Davis ou Thelonious Monk auprès desquels il se construit un style unique, il devient une icône du saxophone à mesure qu'il livre nombre de disques majeurs tels Giant Steps, Olé, A Love Supreme ou Ascension. Coltrane emprunte une voie qui n'appartient qu'à lui, mêlant étroitement sa quête d'un absolu musical à sa profonde mystique. Développée sur la base d'une vaste collecte d'informations, cette biographie aborde et contextualise l'ensemble de la discographie du point de vue d'un auditeur curieux, avec l'envie d'amener le lecteur à sa musique. Ce livre revient également sur les événements majeurs ainsi que sur les rencontres qui ont jalonné la vie de John Coltrane.

Michael Jackson s'est imposé comme l'un des entertainers les plus doués et influents de sa génération. Il est même devenu une référence incontestée de la culture populaire. Ses talents de chanteur, d'auteur-compositeur, de danseur et de performer continuent toujours d'émerveiller des millions d'admirateurs. Dix ans après sa disparition tragique, les sites de fans, les blogs spécialisés et les forums font encore vivre activement sa mémoire. Toutefois, derrière ses plus grandes réalisations — et notamment Thriller, l'album de tous les records — se cache un large pan de sa carrière, trop souvent occulté et pourtant essentiel à la compréhension de son destin hors du commun. Ce livre lève le voile sur l'intégralité de son oeuvre artistique et traite avec minutie de sa production musicale (albums, collaborations, inédits) mais également de ses emblématiques vidéo-clips, de son look unique et de son style de danse incomparable. De l'enfant prodige avec les Jackson 5 jusqu'aux préparatifs de son ultime tournée, cette biographie retrace, étape par étape et dans les moindres détails, son incroyable et singulier parcours, à la lumière d'une ceuvre aussi riche que passionnante. Ce livre propose en outre une discographie exhaustive de l'artiste.

Pour le pianiste Philippe Cassard, Franz Schubert (1797-1828) est bien celui qui, selon l'épitaphe du poète Grillparzer "fit chanter la poésie et parler la musique". Cependant, comment saisir en quelques mots le profond mystère schubertien ? Comment décrire l'intime le plus enfoui, la confidence glissée dans un accord ? Comment faire ressentir l'hésitation d'un thème à poursuivre sa route, la douleur nichée au creux d'un silence ? En vérité, il faut peut-être chercher les clés de cette musique dans les six cents poèmes que Schubert a emplis et enrichis de la plus belle musique. L'étude des lieder constitue donc la première étape de cette nouvelle et très personnelle étude schubertienne. On y découvre les horizons les plus vastes, des mots - Wanderer, Sehnsucht, schuhertiade, Vienne, moderato, Nacht, des noms familiers - Vogl, Goethe, Seidl, Mayrhofer-, des rythmes obsessionnels, qui nous conduisent naturellement vers l'ultime Sonate en si bémol majeur D. 960, concentré, selon Philippe Cassard, de l'Œuvre de Schubert. Une destination finale où se fracassent tous les rêves, toutes les aspirations, où se manifestent toutes les peurs. Comme chacun des volumes de la collection Classica, ce Schubert est enrichi d'un index, de repères bibliographiques et d'une discographie.

La richesse musicale du continent africain, forte d'une tradition que reflètent les collections de musique du monde, se prolonge aujourd'hui en une diversité remarquable. La distinction académique entre patrimoine et musique urbaine est ici dépassée : on se retrouve en présence d'un continuum représentatif de la culture vivante. Or, il n'existait jusqu'ici aucun ouvrage traitant des musiques africaines dans leur ensemble, alors qu'elles ont pris depuis vingt ans une importance considérable sur les scènes du monde entier, et plus spécialement dans l'espace francophone. En France même, dans la catégorie " musiques du monde ", elle représente plus d'un quart des CD enregistrés et plus de la moitié des programmations de concerts. Les plus grandes vedettes de la " World music " sont d'ailleurs africaines : Cesaria Evora, Youssou N'Dour, Khaled, Salif Keita... Ce livre comble une lacune en proposant avant out un " guide de voyage musical ", à la fois encyclopédique et s'adressant au grand public. IL traite de ;'ensemble du continent, du Maghreb à l'Afrique du Sud, du Sénégal à l'Egypte et à l'Ethiopie, et ne néglige ni l'océan Indien ni les diasporas africaines. Un lexique, une bibliographie, une discographie et une iconographie viennent compléter l'information.

En vingt-cinq ans, les Arts Florissants se sont non seulement hissés au premier rang des ensembles français consacrés à la musique ancienne, mais aussi dans le peloton de tête des groupes baroques les plus demandés sur le plan international. Ce livre en forme de reportage, ou d'état des lieux, s'articule autour de trois grandes parties : une visite des "coulisses" des Arts Florissants, qui permet de faire connaissance avec les membres du groupe, leurs origines, leurs rapports... Bref, la réalité humaine et sociale d'un groupe musical ; un rappel des grands moments de l'ensemble, à travers un portrait de William Christie et un "historique" des événements marquants, non seulement musicaux, mais aussi financiers, qu'il s'agisse des sponsors ou des subventions ; enfin, une analyse critique des mises en scène, des chorégraphies, des choix dans le répertoire baroque... Des annexes importantes, en particulier une discographie des quelque soixante-dix albums enregistrés et des fiches pour chaque spectacle produit, ainsi que de très nombreuses illustrations, font de ce volume la relation la plus fidèle qui soit à ce jour de l'aventure d'un ensemble qui a marqué non seulement les passionnés du baroque, mais aussi tous les mélomanes au sens le plus large du terme.

Créé à Saint-Pétersbourg en 1862, remanié à Milan en 1869, La forza del destino (La Force du destin) est l'opéra le plus "baroque" de Giuseppe Verdi (1813-1901). Inspiré d'un drame romantique espagnol contemporain d'Hernani de Hugo, il développe une intrigue échevelée mêlant malédiction paternelle, amours interdites et vengeance d'honneur, le tout sur fond de guerre opposant Espagne et Italie – tout en agrémentant les tableaux les plus violemment passionnés de touches légères inattendues, au travers notamment d'un moine bougon et d'une leste vivandière. L'Avant-Scène Opéra avait consacré une première édition à cet opéra en 1989 (n° 126). Les décennies ont passé et justifient cette nouvelle édition, riche de textes inédits (notamment le guide d'écoute), entièrement revus et mis à jour (la discographie et la vidéographie), et d'une iconographie désormais en couleur, représentative des plus récentes productions. Ce volume offre au lecteur tous les outils pour appréhender l'ouvrage et en approfondir la découverte : le livret intégral original, sa traduction française, un guide d'écoute abondamment illustré permettant de suivre l'action musicale scène à scène (et connecté à l'appli ASOpéra pour les exemples audio), des études sur l'oeuvre, sa source historique et ses interprètes.

Le phénomène dit Japanoizu (acronyme de l'anglais Japan et noise), ainsi nommé a partir des années 1990, désigne désormais une catégorie de plus dans le paysage musical de la postmodemité. Mais est-il aussi homogène, délimité et (il-)lisible que certaines littératures l'ont laissé entendre, y compris celles générées par des réflexions japonaises elles-mêmes sur le sujet ? Par une étude minutieuse et très documentée aux sources japonaises aussi bien qu'occidentales, l'auteur, évitant les écueils d'une approche de collectionneur, resitue les éléments dans leur contexte, présente de façon détaillée les multiples facettes et tensions de cet univers proliférant et violent, fournissant des analyses formelles, claires et rigoureuses, révélant également les enjeux fantasmatiques, voire idéologiques qui y circulent. Il apporte en outre une documentation rare sur les principaux acteurs de cette scène complexe et contradictoire, dont certains sont déjà passés au statut " légendaire ". Ouvrage abondamment illustré, enrichi de discographies et d'annexes lexicales. Principaux groupes et artistes présentés : Akita Masami (Merzbow), C.C.C.C., GeroGeriGeGeGe, Government Alpha, Hanatarashi, Hijokaidan, Incapacitants, Masonna, MSBR, Null.

Qu'elle arrache un sourire, émeuve aux larmes ou hérisse le poil, la voix de Céline Dion ne laisse personne indifférent. Et si la chanteuse a souvent été décriée par la critique pendant ses années de gloire, elle est désormais considérée comme l'une des rares figures indéboulonnables de la culture populaire. Lancée en 1982 dans un coin reculé du Québec, et pensée pour conquérir un public international, sa carrière exemplaire a été patiemment façonnée par deux accros au travail et au succès : "Céline" et René Angélil ; la star en devenir et son ambitieux imprésario. En revenant sur l'ensemble de son parcours et sur les épisodes clefs de l'une des plus impressionnantes discographies pop des dernières décennies, ce livre donne aussi à voir la conquête plus personnelle d'une voix. On y découvre le cheminement physique et spirituel de Céline qui, marquée par la discipline d'une vestale romaine, parfait son instrument pour transmettre au mieux ses émotions, indépendamment des barrières de langue et de culture.

A l'occasion de la sortie de la discographie remastérisée des Beatles, une nouvelle génération découvre l'incroyable talent mélodique des « Fab Four ». La liste des chansons entrées dans la légende paraît interminable et pourtant la carrière du groupe a été fort courte : c'est entre le 6 juin 1962 et le 4 janvier 1970 que le groupe a bâti cette ouvre d'une étonnante richesse. Quels ont été les facteurs qui ont permis une telle éclosion, une telle innovation ? Etait-ce l'atmosphère débridée des sixties ? L'improbable rencontre de deux génies de la composition, Lennon et McCartney ? L'apport de George Martin, le subtil orchestrateur ? . La saga des Beatles retracée depuis ses débuts, . Tous les albums du groupe analysés en détail, en s'attardant sur la qualité des chansons et des mélodies, . Les principaux albums des musiciens en solo ou avec d'autres formations, . Les principales reprises par les plus grands noms du Jazz, du rock et de la pop music Daniel Ichbiah est l'auteur de plusieurs livres de référence dans les domaines du jeu vidéo, du multimédia et de la musique : Bill Gates et la saga de Microsoft, La Saga des Jeux Vidéo, Solfège nouvelle méthode ludique. Il a publié des biographies de Madonna, des Rolling Stones, de Téléphone et de Georges Brassens. Plusieurs de ses livres ont été traduits à l'international.

En 2021, Bob Dylan fêtera à la fois ses quatre-vingts ans et les soixante ans d'une carrière particulièrement prolifique. Depuis son premier disque enregistré à l'âge de vingt ans jusqu'au triomphe post-confinement de Rough And Rowdy Ways, il aura ainsi publié 39 albums studio et 6 albums live... du moins officiellement ! Car, en réalité, ce sont des milliers de références qui sont aujourd'hui proposées sur le marché. Entre l'exhumation de ses archives inédites via notamment la collection des Bootleg Series, l'importance jamais démentie du marché pirate depuis le mythique Great White Wonder, l'entrée dans le domaine public de ses premiers enregistrements, la prolifération de compilations en tous genres, sans oublier les innombrables reprises de ses chansons par d'autres artistes, la discographie dylanienne est un labyrinthe vertigineux. Cet ouvrage vient combler un manque. Destiné tant au collectionneur qu'au néophyte, il offre, en plus de 200 notices, une cartographie précise de la carrière et l'oeuvre de Bob Dylan à travers une liste de 176 disques et coffrets, officiels ou non, accompagnée d'une sélection de 46 livres et films. Bien plus qu'un énième livre sur le Zim, Dylanographie est destiné à devenir le guide indispensable à quiconque souhaite appréhender cette oeuvre imposante dans toute sa "multitude".

"L'opéra le plus joué au monde" : voilà en quelques mots comment présenter La Flûte enchantée de Mozart (1791). Secret de son succès : la partition parle aux petits comme aux grands. On peut y voir tout à la fois une comédie bouffonne (l'humour franc est un ressort fréquent de l'intrigue), un conte pittoresque (déroulant les aventures d'un prince dans des contrées magiques peuplées de serpents et autres menaces), ou bien une oeuvre initiatique d'inspiration maçonnique (narrant les épreuves à subir pour pouvoir entrer au royaume des sages, où la Lumière s'oppose aux Ténèbres). Ne serait-ce que par la Reine de la Nuit et ses suraigus décochés comme des flèches, la Flûte est inscrtie dans notre imaginaire et notre inconscient collectifs. Le film d'ingmar Bergman (1975) a aussi joué un rôle dans l'élargissement de l'audience d'une oeuvre qui croise théâtre parlé et chanté, rire et souffrance, légèreté et profondeur. Il s'agit de la quatrième édition de L'Avant-Scène Opéra consacrée à ce titre, la dernière remontant à l'an 2000 (n° 196). Comme d'usage, le volume permet au lecteur de suivre le livret original intégral et sa traduction française, en regard d'un commentaire musical et littéraire abondamment illustré de photos de productions, une discographie et une vidéographie, et une série d'études faisant le point sur le sujet.

La Méditerranée, qui unit autant qu'elle sépare des cultures multiples, est le creuset de pratiques musicales ancestrales aux prolongements vivaces. Christian Poché passe ici en revue les instruments, les formes et les genres, les pratiques de toute sorte (chant, danse, fabrication et usage des instruments...). On verra ainsi comment s'incarnent en musique les rites qui accompagnent toute vie, de la naissance à la mort, quelle forme musicale prennent selon les régions les relations entre le sacré et le profane, comment l'individu s'insère dans une collectivité ou affirme son indépendance, ce qui rapproche ou au contraire sépare les hommes et les femmes, comment le savant se distingue du populaire. La grande question des origines est posée ici : remonter le fil des pratiques fait découvrir de curieuses ramifications ; les proximités géographiques ne sont pas forcément porteuses de similarité, et les rapprochements révèlent des influences fort éloignées dans le temps ou l'espace... La mer et les pays qui la bordent ne constituent pas un ensemble homogène, et l'on se gardera d'identifier la Méditerranée musicale à la Méditerranée géographique : le Caucase, l'Auvergne, la Macédoine ou le Portugal sont ainsi des chambres d'écho qui réfractent des traits musicaux nés bien loin de ces régions, mais que l'on peut identifier comme méditerranéens. Chacune des notices qui constituent ce dictionnaire comporte une bibliographie et une discographie.

Verdi, oui mais lequel ? Celui d'Othello et de Falstaff ou celui d'Attila et du Trouvère ? Le patriote du Risorgimento ou le compositeur assagi et reconnu ? Celui dont la rue fredonne les airs ou celui devant lequel s'inclinent les plus réticents ? Ce livre dépasse ces clivages artificiels et propose d'accompagner le lecteur sans préjugés dans un périple à travers les 28 opéras du musicien, au cœur d'un paysage contrasté, changeant, sinueux, et comme tel difficilement réductible à quelques schémas simples qui seraient autant de clichés sommaires. Chaque opéra, - présenté ici à travers sa genèse, son livret (intégral bilingue ou résumé), les profils des rôles, l'analyse musicale et dramatique de la partition et sa discographie complète et critique - y est saisi dans son originalité et sa cohérence, avec le souci d'en mettre en valeur les beautés sans rien cacher éventuellement de ses faiblesses. On y découvrira en filigrane le portrait d'un homme trop souvent idéalisé et d'un artiste à la fois un et multiple. Premier ouvrage de ce type rédigé en français, ce guide dirigé et présenté par Jean Cabourg, a été réalisé par une équipe comprenant Ivan A. Alexandre, Christophe Capacci, Michel Debrocq, Gilles de Van, Sylviane Falcinelli, Stéphane Goldet, Piotr Kaminski, Fernand Leclercq, Roland Mancini, Isabelle Moindrot, Marie-Aude Roux, Pascale Saint-André, Georges Voisin et Jean-Paul Williart.

Témoin et acteur privilégié de l'émergence du free jazz à la fin des années cinquante, le trompettiste afro-américain Don Cherry a donné la réplique aux plus illustres saxophonistes de son temps : Ornette Coleman, John Coltrane, Sonny Rollins ou encore Albert Ayler. Tête de proue de l'avant-garde et chantre de la contre-culture, Cherry se sent tôt à l'étroit dans une Amérique ségrégationniste et peu portée sur cette new thing qui bouscule les canons esthétiques. Armé d'une expressivité hors pair et d'une exceptionnelle ouverture d'esprit, le musicien va alors entamer un long voyage, au propre comme au figuré, embrasser un mode de vie alternatif, élargir sa palette instrumentale, et créer un univers singulier où se mêlent, entre autres champs, le rock de Lou Reed, les ragas du pandit Prân Nath, le sérialisme de Krzysztof Penderecki, la musique minimaliste de Terry Riley, l'électronique balbutiante de Jon Appleton, le cinéma d'Alejandro Jodorowsky ou le jazz afro-futuriste de Sun Ra. A l'image du Petit Prince de Saint-Exupéry, Don Cherry a choisi de redessiner les frontières de son monde/miroir dont ce livre entend donner la clef, en proposant une discographie chronologique, détaillée et contextualisée, en s'appuyant sur de nombreux témoignages et chroniques d'époque, et en abordant les grandes mutations sociales et artistiques de la seconde moitié du vingtième siècle.

Un chanteur charismatique, un groupe mythique, une histoire torturée et un dernier album remarquable : LA Woman. "We want the World and we want it nom" clame Jim Morrison Comme Jimi Hendrix, les Doors ont eu une carrière météorique de quatre années d'existence, plus fructueuse que le Voodoo Child, avec sept albums officiels au compteur et une notoriété folle ne s'arrêtant pas à leur Amérique natale. Les frasques de Jim Morrison ont traversé l'Atlantique comme une trainée de poudre et ont séduit les jeunes gens du monde entier, épris de liberté sexuelle. De plus, le groupe avait été signé par Jack Holzman, patron du label Elektra. Ce qui un gage de qualité et une raison supplémentaire de s'intéresser aux Doors. L'histoire commence en 1966 à Los Angeles et la provocation devient le lot quotidien du groupe sur scène. Toutefois c'est autour de la méditation transcendantale et des enseignements du Maharishi Mahesh Yogi que ce sont retrouvés Ray Manzarek, pianiste, John Densmore, batteur et Robbie Krieger guitariste. La poésie et le mysticisme que développe Jim Morrison les fascinent et les Doors s'imposent alors entre expérimentation et psychédélisme. Après des débuts au London Fog sur Sunset Strip, ils rejoignent le Whisky A-GoGo ou le côté baroque et insolite de Jim Morrison séduit autant qu'il dérange. Les concerts deviennent alors une cérémonie entre imprécations sataniques et insultes contre les forces de l'ordre. La provocation trouvera son paroxysme lors d'un concert à Miami en mars 1969 lorsqu'il exhibera ses parties intimes s'attirant les foudres du FBI. Des albums mythiques, avec L. A Woman en joyau ultime, jalonneront une courte carrière qui se terminera dans une baignoire à Paris le 3 juillet 1971. Jim Morrison est le troisième dans l'histoire à arborer un pantalon de cuir après Gene Vincent et Vince Taylor, laissant clairement apparaître ses organes génitaux. Ce qui concourt à faire de lui une icône sexuelle. Le garçon avait tout compris. D'une maturité exceptionnelle pour son âge, il allie un certain charisme, le mysticisme et la provocation, trois idiomes illustrant le futur triptyque " Sexe, drogue et rock'n'roll'. Avec son image de poète et de rebelle, il se veut aussi le porte-parole et la conscience de toute une génération. La musique envoûtante des Doors avec l'orgue de Manzarek , la guitare tranchante de Robby Krieger, le beat imperturbable de John Densmore et le chant langoureux et masculin de Jim, fait de ce quatuor l'équation parfaite. Plus de cinquante ans après la mort de son leader, le culte de Jim Morrison est bien vivant en France et à travers le monde. Ce que témoigne la discographie enrichie par le label Bright Midnight Records année après année. Voici donc à travers la discographie des Doors et des élans solitaires de chacun des membres fondateurs l'histoire écrite par Gilles Scheps etc Serge Kaganski, d'un des plus grand groupe de rock que l'Amérique puritaine ait enfanté. Comme le disent nos amis anglais " Warning, the Lizard King is buried at Père-Lachaise " Enjoy it !

Redécouvrez l'histoire singulière d'un groupe mythique dans cette toute nouvelle édition anniversaire ! Indochine voit le jour en 1981. Ils sont alors quatre, dont Nicola Sirkis, au chant, et son frère jumeau Stéphane à la guitare. Immédiatement, la voix grave du chanteur de L'Aventurier envoûte les amateurs de rock. Dès le premier album, les ventes décollent et le public s'enthousiasme. La notoriété d'Indochine dépasse rapidement les frontières françaises : Suède, Belgique, Canada, Pérou... A la fin des années 1980, les chansons du groupe se fredonnent dans le monde entier. Mais dix ans après ses débuts, le groupe entame une douloureuse traversée du désert. Nicola et Stéphane se retrouvent seuls et tentent de faire face aux critiques virulentes de la presse. Indochine est déjà en péril quand Stéphane meurt brutalement en 1999. Pourtant, dès 2001, Nicola recrée le groupe ; J'ai demandé à la lune conquiert le public et Indochine retrouve sa place prédominante dans l'univers du rock français. Depuis lors, rien ne semble arrêter le chanteur et son groupe : à l'aube de son quarantième anniversaire, Indochine s'apprête à remplir une nouvelle fois les zéniths. Le style Avec sa prose vivante et ses recherches minutieuses, l'auteur nous offre un récit très complet, véritable enquête sur le parcours singulier de ce groupe à travers celui de son leader. L'ouvrage contient également un cahier photo, un abécédaire et une discographie.

On ne dit pas "je" ! , le troisième opus de Laure Mi Hyun Croset, relate l'histoire véridique de Lionel Stéphane Dulex, le fondateur d'un label suisse de musique électronique. Avant de travailler dans le domaine de la culture, ce quadragénaire créatif a connu une longue période de déambulation dans le monde de la toxicomanie. C'est à partir du bilan rédigé lors de sa dernière cure de désintoxication que l'auteure a écrit cette biographie, sous la forme de brefs fragments, articulée en trois parties : enfance, adolescence et errance. Point de jugement, point de pathos dans ce portrait au scalpel d'un enfant des années 70. Le défi littéraire que s'est lancé Laure Mi Hyun Croset, à savoir de trouver la juste distance, les mots adéquats, à la fois puissants et pudiques, pour décrire une réalité incandescente, a été relevé avec brio. On parcourt d'une traite ce récit haletant pour finalement arriver à bon port et en sortir avec l'impression que le personnage dont on a partagé pendant un instant le sort n'est somme toute pas si éloigné de nous. Littlehouse records, le label de musique électronique de Lionel Stéphane Dulex, a produit un album de 13 titres, sorte de bande originale du récit, créé à partir de la discographie du protagoniste et d'extraits du manuscrit. Il peut être écouté au moyen d'un QR code donné à la fin du livre.

Jules Massenet (1842-1912), l’auteur de Manon et Werther, compte parmi les compositeurs français les plus méconnus et les plus dépréciés. Déjà, de son temps, certains le considéraient comme “la fille à Gounod”. Il était difficile d’avoir sur lui un point de vue équitable. Vers la fin de sa carrière, le goût musical dominant changea et l’on détesta ce que la génération précédente avait adoré. Et alors que la plupart de ses œuvres tom-baient dans l’oubli, on le réduisit à peu de chose. Il était devenu le “compositeur de la femme”, un démagogue usant de toutes les ficelles pour conquérir son public, un habile faiseur peu inspiré. Ces jugements à l’emporte-pièce finirent par constituer un point de vue officiel. Comme on ne jouait plus guère que quatre ou cinq de ses ouvrages, il devenait difficile de se faire une idée précise d’un artiste qui avait tout de même composé une trentaine d’opéras sans compter des ballets, d’innombrables mélodies, d’importantes pages instrumentales ou symphoniques, et qui ne saurait se ramener à quelques traits caricaturaux. Alors que son œuvre a retrouvé le chemin des opéras, ce livre va nous aider à le redécouvrir. Car, dans ses meilleurs moments, Massenet fut un authentique poète lyrique. Comme tous les volumes de la collection “Classica”, ce Massenet est enrichi d’un index, de repères bibliographiques et d’une discographie.

Adapté de son Mosè in Egitto (créé à Naples en 1818), Moïse et Pharaon est le second grand opéra français que Rossini propose à l'Académie royale de musique, en 1827. Pour les besoins du plus important théâtre parisien, la partition originelle a été agrandie d'un acte supplémentaire et enrichie d'un ballet. L'ouvrage obtient un triomphe et confirme la prééminence de Rossini sur les scènes parisiennes. Le succès est tel que Moïse et Pharaon sera à son tour traduit en italien, et que c'est cette version qui s'imposera dès lors en Italie, plutôt que le Mosè d'origine... Comment le genre lyrique peut-il s'emparer d'un sujet biblique aussi puissant et spectaculaire que l'histoire du peuple hébreu mené par Moïse à travers la mer Rouge ? Comment le compositeur s'est-il adapté au goût français si différent du melodramma italien ? Telles sont les questions que soulève un opéra qui, encore aujourd'hui, provoque de brûlants débats lors de ses mises en scène. Ce sera sans doute le cas au Festival d'Aix-en-Provence 2022. Comme d'usage à L'Avant-Scène Opéra, le volume permet au lecteur de suivre le livret original intégral, en regard d'un commentaire musical et littéraire abondamment illustré de photos de productions, une discographie et une vidéographie, et une série d'études faisant le point sur le sujet.

Depuis le début des années 1970, Bruce Springsteen chante l'Amérique - celle des "blue collars" , des routards et des coeurs brisés -, il chante son enfance dans le New Jersey, avec ses joies et ses frustrations, il chante l'amour, la beauté des femmes, les voitures, la vitesse, les grands espaces, la liberté... Born To Run, Thunder Road, Born In The USA, The River ou Streets Of Philadelphia en témoignent. Avec plus de 100 millions d'albums vendus dans le monde, il est entré dans le cercle des plus grands chanteurs de tous les temps. Nul ne mérite mieux que lui le surnom de "boss" du rock. Bruce Springsteen, la totale est une immersion dans l'oeuvre du songwriter. Depuis Blinded By The Light sur "Greetings From Asbury Park, N. J". en 1973 jusqu'à Moonlight Motel sur "Western Stars" en 2019, ses 332 chansons sont analysées en profondeur. Genèse des compositions, interprétation des textes, des enregistrements, anecdotes étonnantes... , c'est la discographie officielle dans son intégralité sur laquelle ce livre braque les projecteurs. Les deux auteurs, en plus de leur exploration personnelle de l'oeuvre springsteenienne, se sont appuyés sur un très grand nombre d'interviews de Bruce Springsteen lui-même, mais encore des musiciens du E Street Band, ou des musiciens de studio, des producteurs et des ingénieurs du son qui l'ont accompagné en quelque 45 années d'une carrière intense. Bruce Springsteen, la totale, de plus, est abondamment illustré de photographies, souvent rares ou inédites.

Si Chokebore fait partie du fourre-tout "groupe indépendant américain" , la presse musicale, ayant toujours besoin de sous-genres et d'étiquettes qualifie leur musique de "SadCore" , un genre qui se distingue par des paroles tristes, des mélodies mélancoliques et des tempos lents, une étiquette pas si éloignée que ça du "Shoegaze" émergeant au même moment de l'autre côté de l'Atlantique, en Angleterre. "Nous n'avons jamais eu l'impression d'appartenir à une scène" déclare son charismatique leader Troy Von Balthazar "Nous faisons une musique beaucoup trop bizarre pour ça... même si j'aurais aimé que l'on soit plus proches d'autres groupes" . Car le seul groupe à faire de la musique comme Chokebore, c'est Chokebore lui-même. Aller à un concert de Chokebore, à l'instar d'un My Bloody Valentine ou plus récemment d'un A Place To Bury Strangers, se voulait une expérience au bord de la rupture, un raz de marée, un monstre émouvant et destructeur de tympans. Entre lyrisme et violence. En 1989, Troy sort en autoproduction un premier enregistrement avec la formation précédant Chokebore, Dana Lynn. Trente ans plus tard, en 2019, sa discographie solo devient aussi importante que celle avec Chokebore (cinq albums entre 1993 et 2002), avec la sortie de son cinquième album en tant que Troy Von Balthazar. L'occasion de marquer le coup et de célébrer trente ans d'écriture par un livre qui rendrait hommage à lui et à son groupe culte pour toute une génération.

L'histoire d'un groupe mythique tant par son aura et sa musique que par son engagement pour toutes les causes humanitaires. Un groupe qui est aussi une des plus grandes rock star des années 90 avec des tubes planétaires. Le 5 avril 1980 à Athens en Georgie, un groupe donne son premier concert dans une église désaffectée alors qu'il n'a même pas encore de nom. L'alchimie est déjà là et le succès aussi. Acclamés par tout l'auditoire présent, Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills et Michael Stipe se disent que cela vaut peut-être le coup de continuer ensemble au delà de cette soirée. Rapidement un nom est trouvé, REM pour Rapid Eye Movement, en français "mouvement oculaire rapide", un phénomène qui se produit pendant la phase de sommeil paradoxal et qui permet à nos rêves d'entrer dans leur phase la plus intense. Rien ne prédestinait R. E. M à devenir l'un des groupes américains les plus influents, prolifiques et intègres de la fin du XXème siècle. De leurs modestes débuts post-punk à leur statut de phénomène musical mondial dans les années 90, les membres de REM ont constamment dépassé les attentes du public et défié les règles du show business. 31 ans après, le groupe se dissout, laissant derrière lui une discographie riche de 15 albums studio, des tubes planétaires comme la pop song parfaite "Losing My Religion" et la ballade crépusculaire "Everybody Hurts". L'ouvrage est parsemé de multiples entretiens que l'auteur a eu avec les 4 membres du groupe

Après deux albums teintés de funk et de disco, Prince Rogers Nelson devient dès 1980 le maître du Minneapolis Sound avec son troisième opus, le sulfureux et bien nommé " Dirty Mind " . Dès ses premiers disques pour Warner Bros. Records, celui qu'on surnommera bientôt le Kid de Minneapolis offre sa vie à une production musicale foisonnante et variée. Prince traverse alors les années 1980 avec une irrévérence et une audace qui le caractériseront. Après avoir enchaîné les succès (Little Red Corvette, Purple Rain, Kiss, Sign O' The Times ou Batdance) et vendu plus de 100 millions d'albums, Prince a su se réinventer à chacun de ses disques, déjouant les pronostics de ceux qui le croyaient mort, renaissant sans cesse de ses cendres, et surprenant toujours au travers de nouvelles directions artistiques. De Madonna à Miles Davis, de Michael Jackson à Kate Bush, tous les grands noms de la musique populaire ont souhaité un jour enregistrer à ses côtés. Depuis la mort inattendue du chanteur en 2016, The Prince Estate s'applique à exhumer de The Vault, son coffre-fort de Paisley Park, de précieux albums jusqu'alors demeurés inédits. Des milliers de chansons y sommeillent encore, et chacune de ces parutions est un événement mondial. Ouvrage unique au monde, Prince, La Totale offre un regard inédit sur l'oeuvre tentaculaire de l'artiste, et détaille avec minutie la genèse de chacune de ses 684 chansons, dévoilant un à un les secrets de fabrication d'une discographie spectaculaire, à la hauteur de cet artiste hors norme et immortel.

Créé au  ; Metropolitan Opera de New York en 1918,  ; Le Triptyque  ; de Puccini réunit trois opéras courts d'une grande intensité dramatique.  ; Il tabarro  ; plonge le spectateur dans l'univers âpre et noir des débardeurs parisiens où se noue une intrigue amoureuse condamnée à une issue fatale. Dans  ; Suor Angelica, Puccini montre le chemin de croix emprunté par une aristocrate déchue pour avoir eu une enfant hors mariage, et enfin  ; Gianni Schicchi, le volet comique inspiré de la Divine Comédie de Dante, porte son regard sur les affres de l'héritage. Comme pour  ; chacun de ses opéras, Puccini est à l'écoute de son temps et renouvelle son langage musical, offrant ainsi une partition contrastée et riche d'un opéra à l'autre. Le compositeur explore en effet dans chaque opéra un style différent, et commence avec Il tabarro  ; en se mettant dans les pas d'un genre à succès qu'il a déjà fréquenté : le Grand Guignol, qui lui sert ici à représenter les milieux miséreux.  ; A la création il peut compter sur la présence de vedettes d'envergure internationale comme Gerladine Farrar qui créé Angelica. Comme d'usage à  ; L'Avant-Scène Opéra, le volume permet au lecteur de suivre le livret original intégral, en regard d'un commentaire musical et littéraire abondamment illustré de photos de productions,  ; une discographie et une vidéographie, et une série d'études faisant le point sur le sujet.

The Rolling Stones, un des deux plus grands groupes de l'histoire du rock. L'autre s'appelle The Beatles. Cet ouvrage illustré fait la part belle aux couvertures de disque et présente pour chaque album l'histoire de sa création avec quelques phrases percutantes. Et pour cela on peut faire confiance à Keith Richards et Mick Jagger. Il existe, dit-on, mille façons de raconter une histoire et celle des fabuleux Rolling Stones a inspiré des dizaines de biographes. Cette véritable épopée rock s'ouvre fréquemment sur la fameuse scène de retrouvailles entre Mick Jagger et Keith Richards, deux copains d'enfance, sur le quai de la gare de Dartford, à l'aube des sixties. Mais elle pourrait tout aussi bien débuter sur les images d'un jeune guitariste blond du nom de Brian Jones jouant un blues d'Elmore James, d'un élégant batteur dénommé Charlie Watts hantant les clubs de jazz londoniens ou d'un certain William Perks, bassiste énigmatique recruté, dit-on, parce qu'il était l'heureux possesseur d'un amplificateur Pour avoir vécu mille vies sur fond de scandale, de dope et de rock'n'roll, les Stones demeurent un monument indéboulonnable de la Pop Culture. Cet ouvrage, qui explore l'essentiel de leur discographie, y compris en solo, est une autre prisme qui perpétue la légende. Celle d'une bande de jeunes blancs-becs anglais possédés par la musique du Diable et qui électrisent nos vie depuis plus d'un demi-siècle.

"« Caffè, tutti ? » lança-t-il avec une étincelle joyeuse dans ses yeux et en se frottant les mains. C’était fait, nous étions dans la place… chez Morricone ! Cette icône de notre enfance, l’incroyable auteur de ces musiques que nous sifflons depuis des décennies (avec plus ou moins de bonheur). Nous étions émus comme des enfants qui vont voir le Père Noël, excités, polis et incroyablement heureux. Cela s’était organisé à une vitesse époustouflante, la bouteille à la mer d’un courriel à une vieille adresse, la réponse depuis une autre adresse et l’appel de son fils qui nous proposait des dates très rapidement. Le Maestro connaissait déjà Vincent, rencontré à Cannes, ainsi que notre association avec laquelle il avait monté les marches du festival en 2007. Mais là, plus de paillettes, de cocktails et de paparazzi, nous étions dans l’intimité de son appartement romain, à partager un café avec lui. Instant de grâce. Nous vous invitons dans ce livre à partager nos rencontres, celle de Rome, puis celle de Vincent à Cannes. Vous y redécouvrirez sa filmographie et sa discographie. Des photos inédites. Nous avons longtemps réfléchi cet ouvrage et comme cette rencontre, il s’est fait presque spontanément. Parfois, les choses les plus complexes s’accomplissent simplement… Nous vous invitons dans l’antre du Maestro, à découvrir qui il était vraiment, au-delà de la star, un homme avec des passions et des rencontres. Entrez, lisez, et prenez donc un café avec nous.

Anna Song, `la plus grande pianiste vivante dont personne n'a jamais entendu parler", laisse derrière elle une œuvre discographique sans précédent. Malgré la maladie, et clans un engagement du corps et de l'âme proche de la ferveur, elle a voué ses dernières années à arpenter, avec une indéfectible justesse, un territoire musical des plus vastes. Gardien du temple et architecte de la légende : Paul Desroches, son mari et producteur. Mais tandis que celui-ci raconte la femme aimée, de l'émerveillement enfantin aux patientes années d'une vie partagée dans une sorte de culte de la beauté, le scandale éclate. Anna Song n'aurait pas enregistré une seule note de sa discographie, pillée ail-leurs par l'amoureux démiurge. Imposture, falsification, trahison : au concert de louanges nécrologiques succède le tapage de l'opprobre, relayé par des médias d'autant plus féroces que bernés. C'est un fascinant jeu de miroirs qu'orchestre ici Minh Tran Huy dans un deuxième roman qui confirme l'avènement d'un univers d'une impressionnante cohérence. Où l'on retrouve l'omniprésente absence du pays des origines, le Viêtnam, dont la réalité floutée par le temps et l'éloignement s'enracine clans un silence peuplé de contes. Et aussi cette petite musique envoûtante, cette opacité impavide plus généreuse qu'elle ne s'affiche, qui évoque irrésistiblement les eaux calmes d'un lac, sous lesquelles se jouent - et demeurent - les plus violentes tragédies. Tombeau du premier, du grand, de l'unique amour, entre ode et plaidoyer, La Double Lie d'Anna Song révèle et défend la folie d'aimer, mais aussi le droit à inventer des vies à la hauteur de cette folie.

Au début était Téléphone, rare groupe de rock à avoir marqué une époque de son empreinte indélébile. Qui plus est, la trajectoire de Jean-Louis Aubert, son chanteur-tête de proue et principal compositeur, est unique à plus d'un titre. Il connaît notamment depuis bientôt quarante ans une carrière solo plébiscitée, conférant à l'artiste une aura et une popularité jamais démenties. Ce livre est un voyage à travers le temps et une invitation à emprunter les grandes artères de l'oeuvre de Jean-Louis Aubert, mais aussi ses sentiers secrets, en sa compagnie. Au coeur du livre, entre un premier rendez-vous avec l'artiste (parcours complet et son portrait ad hoc) et une analyse de l'ensemble de sa discographie (1977-2023), figurent de longs entretiens, les plus longs jamais accordés par l'artiste. Il s'y livre sans retenue, sans posture ni imposture. Nous suivons son cheminement et sa logique, ses préoccupations et ses réflexions. Nous parcourons ensemble les recoins de ses "albums cerveaux", et le labyrinthe arachnéen de ses pensées, entre rêverie et lucidité, recettes de fabrication et philosophie de vie. Fort du succès de sa dernière tournée, ce fameux "OLO tour" aux prouesses technologiques incroyables, Jean-Louis Aubert sortira son nouvel et très attendu dixième album solo, en 2023. Christophe Goffette est un enfant de la "génération Téléphone" qui dirige des revues (principalement musicales) depuis plus de trois décennies. Il est également traducteur, scénariste, producteur, directeur artistique, patron de maison de disques (et d'une radio rock). Chez Nouveau Monde il a traduit Tout Bowie, et est l'auteur du Iggy Pop.

Jimi Hendrix occupe une place de choix dans le panthéon de la musique du xxe siècle. En quatre années seulement, il a élargi les frontières du rock comme seuls les Beatles l'avaient fait et a émancipé la guitare électrique comme personne ne l'avait fait avant lui. Jimi Hendrix, la totale est une immersion au coeur de la création hendrixienne, révélée et expliquée à partir d'interviews de Jimi Hendrix lui-même, mais aussi d'entretiens avec les producteurs, ingénieurs du son et musiciens qui ont travaillé avec lui et qui l'ont accompagné en studio durant la seconde moitié des années 1960. L'ouvrage couvre toute la courte mais intense carrière du guitar hero, de ses débuts, notamment en tant que sideman des Isley Brothers et de Little Richard, jusqu'au meilleur de ses albums posthumes, au premier rang desquels "The Cry Of Love", "Jimi Hendrix : Blues" et les "BBC Sessions". Entre les deux, tous les enregistrements officiels de Jimi Hendrix sortis de son vivant font l'objet d'une analyse approfondie. La grand-messe commence avec le single Hey Joe / Stone Free en 1966 et prend fin avec un autre single, Stepping Stone / Izabella en avril 1970. Entre ces deux 45 tours, trois albums studio à la confluence du blues, du rock psychédélique, du jazz et du funk qui ont largement redéfini ce qu'était le rock : "Are You Experienced", "Axis : Bold As Love" et "Electric Ladyland". A ces enregistrements studio, nous avons ajouté deux confessions live, elles aussi incontournables dans la discographie du guitar hero : "Live At Woodstock" et "Band Of Gypsys". Purple Haze, Foxy Lady, Little Wing, If Six Was Nine, Voodoo Chile, Machine Gun..., toutes les pièces du puzzle hendrixien sont réunies dans Jimi Hendrix, la totale. Et le rideau se lève sur l'étoile vaudou...

Emerson Lake and Palmer est un des groupes les plus emblématiques du rock progressif qui a connu ses grandes heures durant la première moitié des années soixante-dix. Une discographie étonnante pour un groupe extravagant sur scène. L'ouvrage présente aussi Asia et son tube "Heat of the Moment" dans lequel sévissait Carl Palmer. Emerson Lake and Palmer est l'association de trois musiciens particuliers et exceptionnels pour former un trio extravagant et exubérant qui laissera une trace indélébile dans le rock des années soixante-dix. Composé de Keith Emerson, Greg Lake et Carl Palmer, ce super groupe est un groupe de scène qui impressionne autant par l'installation faramineuse des claviers et synthétiseurs de Keith Emerson que par son jeu de scène flamboyant dont l'image culte reste le moment ou il plante un poignard entre les touches de l'orgue Hammond. Keith Emerson est ainsi l'homme qui a mis le clavier sur le devant de la scène rock, comme une alternative à la guitare. Avec 6 albums studios dont les plus remarquables sont le premier album avec sa ballade " Lucky Man ", Tarkus et Brain Salad Surgery, Emerson Lake and Palmer propose un mix particulièrement réussi d'adaptation de musique classique aux codes du rock avec en moment fort " America " de Leonard Bernstein et " Tableaux d'une exposition " de Moussorgsky. En présentant l'ensemble de l'oeuvre d'E. L. P, les albums studios, les live et les archives, ce livre est l'occasion de se plonger dans une période représentative de la première moitié des années soixante-dix. Il présente aussi l'ensemble des projets et groupes dans lesquels les trois stars ont évolué comme The Nice pour Keith Emerson, King Crimson pour Greg Lake et Asia et son tube ultime " Heat of the Moment " pour Carl Palmer.