piano

L'écriture pianistique poulencquienne fait viscéralement corps et accord avec l'hosto esthéticus Poulenc, le Tourangeau composant et contrôlant au piano toutes ses alchimies sonores avant de les réarranger pour instruments et/ou voix. Aux confins de la conscience, s'insinuent, dans l'imaginaire musical, les traces mnésiques d'un environnement sonore en perpétuel devenir. Gravures du temps, elles mélancolisent l'univers pianistique poulencquien : citations, rappels, réminiscences résonnent alors sur l'écliptique de la mémoire, comme autant de résurgences d'un monde sonore quitté à regret... La veine populo-folklorique, héritée de l'enfance nogentaise du compositeur et des goûts encanaillés de l'oncle maternel, s'épaissit et se densifie au contact des courants folkloriques et populaires traversant la France de l'entre-deux-guerres. Cette propension à assimiler, digérer, puis recréer son musée imaginaire, Poulenc la cultive aussi dans son style néoclassique. Instrument de médiation entre la chair et l'esprit, incarnation aussi et surtout de l'être romantique, le piano se révèle rapidement le théâtre des hésitations, des fluctuations, des équivoques du compositeur : entre romantisme et avant-gardisme, son cœur balance. Fondamentalement, le pianiste-compositeur français s'inscrit dans la généalogie de l'hosto sentimentalis et, à ce titre, s'identifie plus ou moins consciemment à l'idéal de l'éternel romantique, dont les tenants et les aboutissants, depuis la lyrique des troubadours jusqu'au surréalisme, ne cessent d'inventer et de réinventer, dans un mouvement perpétuel, l'art intemporel des correspondances... Le rêve éveillé et la surprise tiennent lieu de rnodus vivendi à cet art fait de " Grieg-à-Braque ", qui tente en permanence le grand écart entre des positions apparemment inconciliables : les saisons mentales, chez le musicien français, qu'elles soient nocturnes ou diurnes, " inspirées " ou automatiques, fantastiques ou fantaisistes, spleen ou humoresques, se conjuguent à tous les temps ; du temporel vers l'intemporel, l'idéal de l'éternel surréaliste passe, pour Francis Poulenc, par la constitution psycho-esthétique du complexe de l'éternel androgyne : entre masculin et féminin, entre naissance et mort, entre aube et crépuscule, entre le chronique et l'anachronique, entre le réel et le surréel, entre l'imagé et le musicalisé, entre le représenté et le senti, entre le corps et l'affectivité, entre mort symbolique et désir d'éternité, son piano joue les passe-murailles...

Le piano de Chopin, le clavecin de Couperin, Iberia (pour piano) d'Albéniz, Khoaï(pour clavecin) de Xenakis, - ce nouveau Guide d'écoute parcourt les siècles et confronte les compositeurs qui, selon leur génie propre, ont écrit pour les deux instruments ici réunis. Après un Guide de la musique symphonique, avant un Guide de la musique de chambre, celui-ci propose au mélomane un accompagnement à l'écoute non point seulement des chefs-d'oeuvre reconnus, mais de partitions moins fréquentées, souvent injustement: d'où, pour beaucoup sans doute, l'immense plaisir de la découverte. Cent quatre-vingt-cinq musiciens, au total, sont ici représentés grâce à plus de deux mille analyses ou commentaires, complétés de précisions sur les "styles", les circonstances de composition, les dates et lieux de création, etc. Tel quel, ce Guide de la musique de piano et de clavecin, d'une grande exactitude historique et musicologique, et qui s'est donné pour but d'éviter une technicité trop ardue, de même qu'une vulgarisation trop facile, devrait devenir l'inséparable compagnon de toute écoute musicale intelligente.

Conservé aux archives du diocèse de Périgueux et Sarlat, l'unique manuscrit autographe connu de la Suite courte pour flûte et harpe chromatique ne porte aucune date. Cependant, deux informations pourraient permettre de donner une datation approximative de cette oeuvre. Tout d'abord, un document écrit de la main du compositeur mentionne cette oeuvre et précise "? chez Fougeray ? ". Cet éditeur publiera plusieurs ouvrages de La Tombelle après la Première Guerre mondiale et il semblerait que la Suite courte devait l'être un jour. En outre, à la lecture du catalogue complet du musicien, on remarque la présence de plusieurs morceaux de musique de chambre intitulés "? Suite ? " durant les années de guerre. Pensons à la Suite pour trois violoncelles, composée vers 1914 et éditée par Maurice Senart en 1921, ou encore à la Suite brève pour deux violons et piano, pièce en quatre mouvements aujourd'hui perdue, dédiée très certainement à Fernand et Jacques Lespine et créée avec le concours de l'auteur en 1916. L'essentiel de la production de La Tombelle composé durant le premier conflit mondial étant demeuré inédit, il est permis de se demander si la Suite courte ne daterait pas de cette période. Divisée en trois mouvements, l'oeuvre débute par un Prélude usant largement de carrures régulières, de marche de septièmes sur le cycle des quintes, d'harmonies sur pédale de tonique ou dominante, de cadences parfaites traditionnelles. Ces éléments marquent de la part de La Tombelle une volonté de retour à un certain classicisme, comme c'est le cas dans d'autres de ses pièces composées à la même période. Contraste total dans le second mouvement, Improvisation, qui lui, comme son titre l'indique, propose une plus grande liberté de forme. Ainsi, on trouve ici des accompagnements en arpèges, des sons harmoniques, une plus grande variété rythmique, de courts passages similaires à des cadenza. L'introduction de cette seconde partie n'est d'ailleurs pas sans rappeler une autre oeuvre pour harpe du compositeur : la Fantaisie Ballade pour harpe à pédales. Après le temps du rigorisme, puis celui de la souplesse, vient avec le troisième mouvement le moment de la Danse. Alliant la précision rythmique du premier à la fantaisie du second, ce bref mouvement conclut l'oeuvre de manière enjouée avec l'emploie de rythmes répétitifs syncopés dans l'accompagnement et pointés dans la partie mélodique dévolue à la flûte. Tout au long de la pièce, la tonalité principale reste celle de la mineur, ce qui confère une cohérence générale, mais la différence de caractère des trois mouvements offre également à cette Suite courte une réelle variété de ton. Compte tenu de la rareté des instruments chromatiques de la maison Pleyel de nos jours, on ne peut que conseiller d'interpréter cette oeuvre, soit en l'adaptant quelque peu pour la harpe diatonique, soit en la jouant telle qu'écrite, mais au piano.

Le Concerto pour piano en si mineur op. 3 (MoszWV 160) fut composé pendant la période berlinoise de Moszkowski à la Neue Akademie der Tonkunst où il devint professeur en 1872 alors qu'il était encore étudiant. Avec son ami et collègue Philip Scharwenka, il loua la salle de la Sing-Akademie à Berlin pour un concert d'oeuvres originales. La première représentation du concerto pour piano eut lieu le samedi 27 février 1875, sous la direction de Ludwig von Brenner avec le compositeur au piano.
La Symphonie en ré mineur (MoszWV 146) et le Caprice op. 4 (MoszWV 3) étaient également au programme. Le concert fut un succès et Anton Rubinstein en rendit compte positivement. Toutefois, le concerto pour piano est resté inédit à ce jour. Bien que les premières compo­sitions de Moszkowski fussent publiées depuis 1874 et qu'il réservât l'opus 3 à une grande maison d'édition française qu'il avait en tête, il ne trouva pas d'éditeur tout de suite.
Il prit ensuite de la distance vis-à-vis de cette oeuvre qu'il ne désirait plus publier. Il reprit le manuscrit déjà vendu afin de réviser son travail. Tout en rejetant son premier concerto pour piano qu'il jugeait sans valeur, il salua son deuxième concerto pour piano en mi bémol majeur op. 59 (MoszWV 162) comme son meilleur travail. Le premier concerto devint néanmoins connu du public grâce à l'enthousiasme de son dédicataire, Franz Liszt, auquel Moszkowski l'avait joué au printemps 1875 à Weimar.
Liszt organisa un concert privé pour la baronne Olga von Meyendorff, au cours duquel il joua lui-même la partie d'orchestre sur le second piano. On ne connaît pas d'autre exécution publique du Premier Concerto pour piano. Après la mort du compo­siteur, son élève Bernard Pollack essaya de le faire publier chez Peters, mais ne put ni trouver le manuscrit ni convaincre Henri Hinrichsen, le directeur éditorial.
Le concerto était réputé perdu jusqu'à ce qu'il soit retrouvé sous la forme d'une partition manuscrite avec d'autres oeuvres et journaux intimes dans une succession léguée à la Bibliothèque nationale de France. Cent trente-neuf ans après la première représentation publique, une seconde création a eu lieu le 9 janvier 2014 à la Philharmonie de Varsovie avec le pianiste bulgare Ludmil Angelov, le chef d'orchestre Vladimir Kiradjiev et l'Orchestre symphonique Artur Malawski de Rzeszów.

" Piano pour la main gauche " comble une lacune de la bibliographie française : il constitue la première étude de fond en français du répertoire pour piano pour la main gauche. Son approche est historique (contextualisation des oeuvres, de leurs conditions de genèse et de création, de leurs compositeurs et de leurs interprètes), musicologique (présentation des oeuvres et de leurs traits musicaux saillants) et esthétique (réflexion sur la création contrainte, mais aussi sur le rapport entre les oeuvres pour piano " amputé " et les douleurs des deux guerres mondiales – cause de la plupart des handicaps des pianistes concernés). Outre le concerto fameux de Ravel et son interprète non moins fameux Paul Wittgenstein, il permet de (re)découvrir un répertoire vaste et méconnu – et notamment une compositrice oubliée par l'Histoire et totalement absente de la littérature musicologique, Angélique Thibault.

Pianiste et pédagogue reconnue, Brigitte Bouthinon-Dumas partage son expérience sur la manière de perfectionner son jeu au piano. Dans cet ouvrage, elle ose aborder les problèmes rencontrés par de nombreux pianistes ? : le décalage entre l'intention musicale et le rendu sonore. Analysant les origines de ce problème, elle développe de nombreuses pistes de travail. Sa philosophie de l'instrument, centrée sur la notion d'"? empreinte ? " des doigts sur le clavier et la mémoire de la sensation, permet à chaque musicien d'approfondir sa propre relation au clavier. Cette approche rarement traitée dans les ouvrages sur le piano implique une meilleure conscience corporelle, une plus grande détente au service de la liberté d'interpréter. Brigitte Bouthinon-Dumas aborde son sujet sous l'angle de l'enseignement avec entre autres un chapitre focalisé sur la relation entre le maître et son élève. En effet, ce livre sera d'une grande aide pour les professeurs de piano qui y trouveront des réponses à leurs questions pédagogiques. Les pianistes amateurs ou en formation, souhaitant surmonter leurs difficultés et perfectionner leur jeu, trouveront dans cette approche nouvelle de quoi alimenter leur réflexion, en particulier sur le difficile sujet du trac. La seconde édition de cet ouvrage synthétique et riche par son contenu, devenu depuis 1993 un classique recommandé dans les classes de piano, permet de redonner accès à ce texte souvent demandé, dans une présentation claire et lisible entièrement révisée.

Découvrez le livret de fluence Lecture Piano CP, pour lire à voix haute, avec aisance et sans erreur. Ce livret est consitué de 3 parties : 1. Je lis des syllabes 2. Je lis des mots 3. Je lis des textes Chaque partie est proposée dans différents niveaux, avec un étayage associé (comme dans le manuel). Des fiches de score sont proposées pour permettre à l'élève de calculer son MCLM (Mots Correctement Lus par Minute).

Avant de devenir Nina Simone, elle s'appelait Eunice Waymon. Comment cette petite fille déterminée a-t-elle gravi les marches qui mènent au succès ? Les pianos sur lesquels elle a joué unissent leur voix pour nous le raconter... Le piano de l'église n'en revient pas ? : le bébé Eunice, la fille de la pasteure, bouge en rythme dans son berceau ? ! L'harmonium de la maison familiale s'en amuse ? : ses pieds n'atteignent pas encore les pédales mais Eunice sait déjà jouer des cantiques à l'oreille ? ! Le piano de sa professeure de musique s'étonne de son talent, celui de la bibliothèque municipale rappelle que la ségrégation gronde, celui de l'église avec lequel Eunice accompagne la chorale témoigne de sa solitude, celui de l'hôtel de ville où elle donne un récital la voit exiger que ses parents, qui ont cédé leur place à des Blancs, reviennent au premier rang... Et ce sont encore les pianos de son lycée, du Conservatoire dont elle rate l'examen d'entrée, du studio de chant qui l'emploie et du bar où elle prend le nom de Nina Simone qui racontent.

Fast Darkness III is the last part of the trilogy Fast Darkness, 2020-2022. Written in 2022, it is a 16 minutes long virtuosic, wild, and overgrown exploration. Fast gestures, drawn by a sharp pen and loaded with excited energy inform the listener of a large universe that they are enveloping. Just like an entangled climbing branch may give a sense of the house it is climbing on, the energy-laden gestures in Fast Darkness III, reveal the presence of the universe they are enveloping. This revelation never comes to be heard in the piece, but hopefully, it is an after-effect of it. Chaya Czernowin Instrumentation : flute, clarinet, piano, violin, viola, cello

La Cantate "La Gloire de Dieu, c'est l'Homme vivant", sur un texte de Saint Irénée de Lyon, est écrite pour choeur d'enfants et orchestre symphonique. Elle est présentée, dans ce recueil, avec réduction clavier de la partie orchestrale.

Je n'ai pas oublié ma stupeur le jour où, d'un auteur dont je ne connaissais, comme tout un chacun, que le drolatique Knock et les désopilants Copains, j'ai découvert les Odes et Prières. Au soleil vaste et léger, à la verroterie multicolore du rire, succédait la grisaille étroite d'une chambre, et la gravité, c'est-à-dire le poids, de la ferveur. Ce lyrisme si poignant, si lentement soutenu, après les embardées de la satire, n'a pas fini de me surprendre.
Dans la lancée, je crois que j'aurais pu (il n'y fallait que du courage, et cette chose dont je n'ai pas l'usage : l'ambition) mettre à peu près tout le volume en musique. Dans Knock ou Les Copains, je n'étais qu'invité à partager un repas, à la bonne franquette, en complice sinon en ami. Dans les Prières, je suis un hôte à demeure, entouré de miroirs familiers, qui me renvoient invinciblement à mes ombres les plus secrètes, à mes peurs les plus inavouées.

Les carnets d'éducation musicale Willems sont des cahiers pédagogiques thématiques destinés aux professeurs d'initiation musicale, de formation musicale et de piano désireux de mettre en œuvre les principes développés par Edgar Willems dans ses ouvrages et son enseignement et d'en dérouler la progression.

L'engagement de Sartre dans l'Histoire est connu, ses discussions avec Che Guevara, ses déclarations incendiaires contre la colonisation, ses harangues sur un tonneau de Billancourt... Sait-on qu'en pleine euphorie militante, Sartre réservait chaque jour du temps pour le piano? Il déchiffrait des partitions de Chopin ou Debussy. L'homme qui incarnait son siècle vivait des intensités et des rythmes secrets. Comment la philosophie s'accorde-t-elle à cette pratique en contrebande? Nietzsche, qui se rêvait compositeur plus que philosophe, adopta le piano comme son diapason, la table d'évaluation de ses idées, l'instrument de ses transfigurations intimes. Combattre Wagner, vaincre la lourdeur, épouser Lou, devenir méditerranéen... il joua sa vie sur le clavier, même pendant sa folie. Décider de vivre en musique engage le corps amoureux. Barthes le comprit, à l'écart des codes dont il était devenu le théoricien. Le piano lui offrit une échappée hors des discours savants. Musicien, il découvrit une autre érotique, tantôt berceuse enfantine, tantôt pourvoyeuse de pulsions. Le jeu musical transporte une gamme d'affects qui se prolongent dans la vie sociale et intellectuelle, de sorte que la pratique du piano ne laisse pas intact le reste des jours. Doigtés, allures, sensualités, tout se livre sur la touche.

A Saint-Denis, le conservatoire de musique et de danse expérimente un cours global de piano. Depuis septembre 2056, les élèves de Ier cycle apprennent la musique en groupe, dans un cursus qui mêle théorie et pratique, offrant un décloisonnement des trois disciplines habituelles : piano, formation musicale, pratique collective. Cette chronique dépeint la première année de cette aventure, dont la mise en oeuvre collective apporte enthousiasme et questionnements, confirmations et nécessaires ajustements. Un témoignage qui propose un autre regard sur le métier d'enseignant artistique aujourd'hui.

Découvrez les principaux éléments du langage "tango" avec ces pièces composées par Leonardo Teruggi, contrebassiste, compositeur et arrangeur, référence du tango contemporain. Professeur au CRD de Gennevilliers, c'est dans ce cadre que les "Miniatures Tangos" ont été créées. S'inspirant de la faune autochtone d'Argentine, ces compositions sont pensées comme des duos pour piano et instrument mélodique au choix.

La chanson enfantine traditionnelle s'avère emplie de " mensonges " : de gaies rodomontades, animant fêtes et veillées ! L'arrangement présenté, pour choeur d'enfants et piano, a été conçu pour des niveaux facile et intermédiaire. Colette Mourey est une guitariste, musicologue - professeur émérite à l'Université de Franche-Comté, et compositrice, née en 1954. Pour élaborer son langage musical, l'hypertonalité, elle se sera fondée sur le contrepoint atonal jusqu'à en élargir les échelles qui, devenues non cycliques, forgent des spirales, à l'image des Structures Fondamentales de la Vie. La compositrice a remporté plusieurs Prix Internationaux (" Music and Earth ", 2012, 3 Prizes, de la IBLA Foundation : 2012, 2013 and 2014) et plusieurs sélections mondiales, grâce à la " Fondazione Adkins Chiti : Donne in Musica ", pour " Abacus ", " Quintetto La Maestria ", " 3 Variations sur l'Hymne Européen "...

Ces accompagnements nouvellement composés pour plus de 100 chants de Taizé sont destinés aux paroisses ou aux groupes de prière où le chant est normalement accompagné par le piano. Pour chaque chant, ce livre contient les voix pour l'assemblée, suivies d'un accompagnement simple, puis d'une ou plusieurs variations légèrement plus exigeantes. Un enregistrement audio de l'ensemble du contenu est disponible gratuitement en ligne sur le site indiqué à la page 5.

"La question posée ici, c'est celle de l'engagement moral suprême des écrivains. Alors que je parle du ramadan pour mettre en cause tous les dogmes, la horde d'extrême droite brouille les cartes et saute sur l'occasion pour déployer sa rhétorique : "Vous avez vu ?... Même notre écrivaine de gauche préférée se lance et diabolise le ramadan." Le livre... les ventes ont décollé. Et derrière toute cette merde : mon éditeur. Les gens se sont mis à me juger. A me traiter d'islamophobe." Selma, une écrivaine tourmentée, attend que le jury lui décerne le prix Nobel de littérature. Son roman, Les Imposteurs, connaît un succès mondial et lui vaut des menaces de mort de terroristes. Accompagnée de son éditeur sans scrupules, elle commence à entendre des voix, dont celle de Gertrude Stein.

A marée basse... est écrit sur 10 Poèmes salés de Macha Lemaître. Ils représentent à mon sens un condensé des impressions enfantines face à l'univers marin, à cet océan vivant, même quand il se retire ponctuellement "à marée basse" . J'ai conçu ce cycle comme une suite de petites pièces pouvant tout à fait se chanter isolément, même si leur interprétation exhaustive est préférable pour saisir la trajectoire en forme dhistoire que la pièce propose. D'une difficulté abordable par nombre de chorales et choeurs d'enfants, il contient une partie de piano elle aussi jouable par des élèves d'un niveau de milieu de second cycle par exemple. Je tiens à remercier M. Philippe Le Fèvre qui m'a proposé d'écrire ces petits mondes et, bien entendu, Macha Lemaître qui, par ses poèmes si subtils, m'a fait retourner en enfance, au bord de ces plages bretonnes que j'aime tant.

Les carnets d'éducation musicale Willems sont des cahiers pédagogiques thématiques destinés aux professeurs d'initiation musicale, de formation musicale et de piano désireux de mettre en oeuvre les principes développés par Edgar Willems dans ses ouvrages et son enseignement et d'en dérouler la progression.

Il faut commencer cet enfant, après c'est trop tard... Les croyances limitantes sont des idées reçues, sans fondement véritables, destinées à nous empêcher d'entreprendre en nous diminuant mentalement. J'y arriverai jamais... ça c'est pas pour moi... Elles ont une fonction : nous préserver de l'échec, de la déception. Ou de la réussite, et de ses conséquences... Elles ne jouent pas contre nous, elles croient agir pour nous, pour notre bien. C'est un mécanisme de défense. Mais ce mécanisme souvent s'emballe. Comme lors de certaines allergies, le corps croit nous préserver d'un danger et stimule une réaction disproportionnée, voire totalement inappropriée. Les croyances limitantes sont des mécanismes allergiques inappropriés. Des mécanismes allergiques de notre esprit (...). Destiné à tous ceux qui s'intéressent à la pratique du piano, et plus généralement la pratique musical, ce livre couvre tous les aspects de l'apprentissage à l'âge adulte, que l'on soit débutant ou musicien confirmé. Les difficultés - les freins, les blocages - sont davantage de nature psychologique que technique. Elles sont celles que nous pouvons rencontrer dans notre quotidien, exacerbées par l'expression de notre sensibilité. L'auteur les analyse pour nous permettre de les comprendre et de les surmonter, et nous ouvre les portes d'un univers d'une richesse insoupçonnée, dépassant largement le cadre d'une pratique artistique. Cet univers qui est à la fois dans l'art, et en nous-mêmes.

La Sonate pour violon et piano en fa dièse mineur date de 1907. S'inscrivant dans une forme classique, les quatre mouvements - allegro moderato, allegretto, largo, et allegro molto - sont tous teintés d'une mélancolie et d'une gravité rares chez un musicien âgé de tout juste 17 ans. Loin de toute grandiloquence et d'éclats théâtraux, la musique s'exprime davantage par l'intimisme et l'intériorité, traits marquants du caractère du compositeur. Même le second mouvement, sorte de scherzo, ne témoigne guère de légèreté, d'insouciance et de gaieté juvénile. Lors des funérailles de Hans Sturzenegger, le largo de cette oeuvre prémonitoire fut joué en guise de requiem. La prédominance du registre grave, aussi bien au piano qu'au violon et durant toute la sonate, accentue encore le caractère profond et la mélancolie qui en découle. Cette constatation nous a amenés tout naturellement à proposer, en même temps que la version pour violon, une version pour alto.

Cet ouvrage collectif retrace l'évolution du concerto pour piano en France entre l'arrivée de Chopin (vers 1830) et la Première Guerre mondiale.

Tout juste diplômé de l'école d'architecture, Loïc Couton a intégré l'agence parisienne de Renzo Piano en 1987. Au cours des dix-huit années passées auprès de lui, il a appris autant sur l'architecture que sur les responsabilités de l'architecte. Ce livre ne raconte pas uniquement l'histoire des projets de Renzo Piano, mais bien l'histoire humaine qui les relie et les processus de création qui les ont fait naître. Pour y parvenir, l'auteur a choisi de laisser autant que possible la parole à Renzo Piano et à ses collaborateurs ; de les accompagner dans leurs aventures architecturales. Aussi s'adresse-t-il à tous puisqu'il nous permet de nous approcher au plus près de la pensée de Renzo Piano, du travail de son Building Workshop et de comprendre ainsi la réalisation d'une oeuvre singulière.

A l'instar des premières sonates pour piano de Prokofiev, la Sonate de guerre reprend et développe un matériau musical venu de l'adolescence. Pour être précis, d'esquisses datant de 1965. J'avais alors quinze ans. Achevée en 1975 - à l'âge de vingt-cinq ans -, elle a été créée par mes soins en 1978 dans le cadre de l'Abbaye de Royaumont. La Sonate de guerre est - on s'en doute - un vigoureux plaidoyer en faveur de la paix. En décrivant l'épouvante de la guerre, j'ai essentiellement voulu dénoncer la barbarie des hommes et rendre hommage à ses victimes. C'est ainsi que l'oeuvre est divisée en trois mouvements, qui, outre qu'ils retrouvent le schéma de la sonate classique, évoquent trois étapes fondamentales du processus guerrier : le combat lui-même, la mort et sa déploration, enfin l'espoir et la victoire. Olivier Greif 12 septembre 1998

Dans un peu plus d'un siècle, nous voici à Katiopa : un continent africain presque entièrement unifié, devenu prospère, où les Sinistrés de la vieille Europe sont venus trouver refuge. Les Fulasi, descendants d'immigrés français qui avaient quitté leur pays au cours du XXIe siède parce qu'ils s'estimaient envahis par les migrants, sont désormais appauvris et recroquevillés sur leur identité. Le chef de l'Etat veut expulser ces populations inassimilables, mais la femme dont il tombe amoureux est partisane de leur tendre la main. La rouge impératrice, ayant ravi le coeur du héros de la libération du Continent, ne risque-t-elle pas de désarmer sa volonté ? Pour les "durs" du régime, il faut à tout prix séparer ce couple contre-nature, car cette passion menace de devenir une affaire d'Etat. Jouant avec les codes de l'utopie et les techniques narratives de la série, cette vaste fresque poétique et politique, d'une ampleur et d'une ambition rares, opère un renversement ironique : l'obsession nationaliste et le malaise des minorités y sont mis en scène dans un environnement panafricain.

C'est sous le signe de la subversion que s'annonce cet ouvrage qui renverse le parcours thématique des littératures noires francophones. Un univers jusque-là inexploré - celui de l'intime et du désir -, nous est offert dans ces dix nouvelles écrites par des écrivains noirs pour notre plus grand bonheur. Parlons du corps et de l'intimité avec Alfred Alexandre, Edem Awumey, Julien Delmaire, Frankito, Julien Mabiala Bissila, Jean-Marc Rosier, Insa Sané, Felwine Sarr, Sunjata et Georges Yémy. L'initiative est signée Léonora Miano, romancière. Elle demande à dix hommes, écrivains des mondes noirs, de raconter une première nuit d'amour. Les auteurs sont invités à rompre le silence, à naviguer entre Eros et Thanatos. Ainsi naît cette anthologie du désir où la rencontre amoureuse, le plaisir et la sexualité subversive se déclinent sous une diversité de tons et de formes. Un ouvrage passionnant, tout en frémissements, pulsions et vibrations. Collectif : Léonora Miano, Alfred Alexandre, Edem Awumey, Julien Delmaire, Franck Salin, Julien Mabiala Bisilia, Jean-Marc Rosier, Insa Sané, Felwine Sarr, Soumaïla Koly & Georges Yémy.

Atteinte d'un cancer depuis dix ans, la mère de Mattia sort de l'hôpital pour mourir chez elle, entourée de son mari et de son fils. Démunis et écrasés de douleur, ceux-ci assistent à la disparition programmée d'une femme qu'ils ont aimée et aiment encore. À vingt-six ans, Mattia, le fils, refuse d'avancer dans la vie – comme s'il pouvait retenir sa mère. Ses rêves de cinéma, ses amours attendront. Avant, pendant et après la mort de sa mère, il tente de figer chaque souvenir et de chasser l'image d'une femme diminuée par la maladie. Saisissant tantôt avec délicatesse, tantôt avec ironie, chaque détail du quotidien pour mieux mettre la douleur à distance, Marco Peano rend son récit touchant sans jamais tomber dans le pathos – et fait d'une histoire singulière un roman universel.

Joseph fuit l'Occident. Il s'éprend d'Esa, une jeune Papoue, imprégnée d'une culture animiste, qui défend les peuples autochtones. Leur histoire d'amour résiste aux mirages et à la mort. Ils sont sous la protection de Jésus, grâce à une pièce d'or, qui lu

« Le jour s'apprête à chasser la nuit, sur les terres du clan mulungo, les femmes dorment. Même les yeux fermés les femmes savent qu'il faut se garder des voix sans visage. Le Mal existe. Il sait se faire passer pour autre qu'il n'est. Cependant que faire sans certitude ? Un grand malheur vient de s'abattre sur le village. »Il n'y a pas d'époque, ni de lieu précis, nous sommes en Afrique sub-saharienne, quelque part à l'intérieur des terres, les fils aînés ont disparu, et les femmes en pleurs sont regroupées à l'écart de leur clan. Quelle est cette catastrophe fondatrice ? Où sont les garçons ? Quelle est la responsabilité des mères ? Faut-il se mettre à la recherche des disparus et comment ? Doit-on accepter l'absence de sépulture ? Les hommes du clan Mulongo ne savent pas combattre, ils respectent la vie. Et pourtant, le Mal existe et il faudra bien y faire face. Peu à peu, au cours d'une quête au moins autant initiatique que réelle et dangereuse, les émissaires du clan, le chef Mukano épris de pouvoir, comme les femmes Eyabe, Ebeise, Ebusi, vont comprendre que leurs voisins, les Bwele, armés et vindicatifs, sont responsables de cette disparition de la chair de leur chair, ces garçons enchaînés et précipités vers la côte, capturés et vendus aux « hommes aux pieds de poule », ces étrangers venus du Nord.Le roman épique et sombre de Léonora Miano traite d'un sujet sensible, la traite négrière, et la complicité d'Africains ligués, par appât du gain, contre leurs semblables ou les peuples voisins. Un roman historique sur la traite transatlantique ? Non, un roman-conte où l'histoire de l'Afrique sub-saharienne se drape dans une prose magnifique et mystérieuse, que marquent la religion, le mysticisme, la croyance, et « l'obligation d'inventer pour survivre », raconter des histoires, raconter jusqu'à ce que la nuit arrache le dernier conteur à son rêve.