Brittainy C. Cherry, Cherry brittainy C.

Ceux qui les ont côtoyés peuvent témoigner de la grande fierté des Britanniques pour leur identité, voire de l'arrogance diront certains, et ce malgré la laideur de la plupart de leurs villes, et la gelée à la menthe.

« Nous sommes un peuple unique, avec notre propre caractère, notre propre histoire, nos propres façons de vivre ensemble, une certaine qualité douce-amère, une conscience sociale et un sens de l'humour particulier », disait George Orwell. « Ce sceptre isle, cette terre de rois, ce royaume d'Angleterre », décrivait Shakespeare dans son Richard II.

Une singularité insulaire dont ils tirent leur force : « Régner sur les vagues » des océans grâce à sa flotte navale. Une domination de thalassocratie louée dans la chanson patriotique, Rule, Britannia, composée au milieu du XVIIIe siècle. Par extension, elle évoque leur empire, qui va prendre son essor le siècle suivant.

Si l'Empire britannique commence véritablement à se former à la fin du XVIe siècle avec les premières colonies en Amérique du Nord et dans les Caraïbes, Les Guerres Napoléoniennes (1803-1815), dont il sort renforcé, et surtout la Révolte des cipayes en 1857, qui marque le début de la formation de l'armée des Indes, constituent des moments clés de l'expansion british.

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Ce soulèvement majeur dans le pays de Tagore contre la Compagnie britannique des Indes orientales mena à la prise de contrôle directe du pays par la couronne britannique. Suivront la Guerre anglo-zouloue dans l'actuelle Afrique du Sud, la terrible Guerre des Boers et ses camps de concentration, la rivalité entre l'Empire britannique et l'Empire russe au XIXe siècle, centrée sur l'Afghanistan et des territoires d'Asie centrale, et baptisée Le « Grand Jeu ». Mais aussi le soulèvement anti-impérialiste, anti-étranger et anti-chrétien en Chine entre 1899 et 1901, dit la Révolte des Boxers, sans oublier les deux guerres mondiales...

Une fin en 1947 après un lent déclin, avec le retrait de l'Union Jack d'Inde et du Pakistan, mettant fin à trois siècles d'expansion impériale britannique. L'apogée est dans ce XIXe siècle victorien, quand la reine régna sur près d'un quart de la superficie terrestre et de la population mondiale, avec des territoires dans le sous-continent indien, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie du Sud-Est et l'Océanie.

Celui qui proposa une biographie de Rommel, Benoît Rondeau, adopte une perspective impériale, englobant toutes les possessions britanniques, et examine les aspects politiques et militaires du colonialisme qui ont propulsé la Grande-Bretagne au rang de première puissance coloniale, dotée de l'une des armées les plus puissantes de son temps. 

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Robert Clive, Disraeli, Montgomery, Lawrence d'Arabie, Gordon, Kitchener, Baden-Powell, Douglas Haig, Churchill... Les batailles de Plassey, Khartoum, d'Isandlwana, de la Somme, d'El-Alamein, de la Normandie... Et la mentalité, l'organisation, les caractéristiques et l'évolution de l'armée et de la marine britanniques... Tout une épopée démente, colonialiste et finalement contre la menace nazi. Le tout narré avec maestria par l'historien spécialiste de la Seconde Guerre mondiale, qui va jusqu'à donner un aperçu de la vie quotidienne des combattants, pas toujours aisée, qu'il avait déjà présenté dans une précédente étude, Le Soldat britannique.

L'esprit britannique, cette mosaïque complexe de résilience, de tradition, et d'innovation, dont émane un profond sentiment de continuité historique, marqué par la stabilité des institutions, le respect du droit et une folie contenue, révélée par un humour absurde et sans sourire.

Et en bonus, le conseil d'un immense film signé John Huston, tiré d'une nouvelle d'un certain correspondant de guerre britannique né en Inde, Rudyard Kipling, L'Homme qui voulut être roi. L'oeuvre raconte la quête extraordinaire de deux aventuriers britanniques pour devenir les monarques d'un royaume perdu dans les montagnes inexplorées de l'Afghanistan, où on se souvient encore d'Iskandar...

La « bonne guerre » américaine prend racine avec la Seconde Guerre Mondiale, époque où le pays du général Patton est entraîné dans le conflit suite à l'attaque japonaise sur Pearl Harbor. Dès 1933, sous l'égide de Roosevelt, les États-Unis commencent à bâtir une armée imposante qui, à la fin du conflit, sera capable de gérer plusieurs fronts simultanément : production massive de navires, chars et canons à une cadence comparable à celle des big macs, et mobilisation de 16 millions de citoyens pour combattre les forces de l’Axe.

Avec l'adoption de la Loi sur la Neutralité dans les années 1930, les États-Unis s'efforcent néanmoins d'éviter toute implication dans les conflits internationaux, tout en se préparant en coulisse à une potentielle nécessité de défense. Le changement de cap survient à la fin des années 1930 et au début des années 1940, alors que les tensions montent en Europe et en Asie. La montée du nazisme en Allemagne, l'expansionnisme japonais en Asie, et l'agressivité de l'Italie fasciste, conduisent le pays de John Ford à revoir leur politique d'isolationnisme.

L'accélération du programme de réarmement s'opère avec la Loi sur le prêt-bail de 1941, qui autorise les États-Unis à fournir un soutien matériel à leurs alliés, en particulier la Grande-Bretagne et l'Union soviétique, sans pour autant s'engager directement dans le conflit. Cette mesure transforme les États-Unis en « arsenal de la démocratie », les préparant à assumer un leadership mondial dans la lutte contre les forces de l’Axe.

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Les usines du pays, réorientées vers les besoins de la guerre, produisent en masse avions, navires, véhicules, armes et munitions. Cette production à grande échelle soutient l'effort de guerre des Alliés avant même l'entrée formelle des États-Unis dans le conflit en décembre 1941, et jette les bases de la suprématie militaire américaine pour les décennies à venir.

De l'Office ovale du Président à la Division des plans de guerre, de la chaîne de production de l'usine Ford à Willow Run aux profondeurs d'un sous-marin de la Navy dans le Pacifique, en passant par un plateau de tournage à Hollywood. Du centre d'internement pour Nisei à Manzanar à la condition contrainte d'un GI dans son trou d'homme en France, Christophe Prime, historien au Mémorial de Caen, révèle l'histoire véritable de « la bonne guerre américaine » (1933-1946).

« Un livre culte dans le monde entier », selon Robert Laffont, s’ils le disent. Reste que ce court roman SF à l’ancienne, paru en 1967, est traduit pour la première fois en français par Catherine Renaud, il avait donc échappé aux savants hexagonaux du genre.

Le Danois Sven Holm, son auteur, n’est lui pas un spécialiste du genre : notamment dramaturge, ses textes, nombreux, ont souvent pour thème le conflit entre la liberté individuelle et les rôles sociaux. Le troisième de ses ouvrages, Termush, ne déroge pas à la règle, qui lorgne plus du côté de Ray Bradbury que de Starship Troopers…

Des hommes et des femmes, à l’ancien revenu élevé, se sont réunis dans un hôtel refuge et luxueux, après « la catastrophe ». Indéfinie, du nucléaire dans l'affaire, l’après ressemble à l’avant : quand ils sortent dans le jardin, aucune table en bois transformée en une masse spongieuse, ni tissus aussi rigides que des plaques d'acier, ni molécules de l’air tranchantes comme du cristal, ni altération de leur peau et autres dents ou globes oculaires, qui tombent comme du chewing gum sur le bitume ou la terre battue.

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À l’horizon, l'océan Atlantique est resté bleu, la terre brune et les cactus verts. Parfait pour une adaptation filmique en 1968, sans les images numériques ni nécessité de gros plans sur des décors miniatures. L'Invasion des profanateurs de sépultures de 1956, signé de l’important Don Siegel, fut la preuve que l’on peut réaliser un chef d'œuvre de la SF sans une once de technologie. Tout dans une atmosphère paranoïaque. 

Termush ressemble au film au nom à coucher dehors de ce côté-là : rien de spectaculaire, et même de l’anti-spectaculaire, et un message qu’on ne découvrira qu’à la toute fin. Dans ce terminus du monde, l'ancien professeur d’université qui sert de narrateur vit au rythme des alarmes enclenchés par un radiamètre aux résultats trop élevés, et des consignes d’une direction invisible, rendue réelle par les haut-parleurs et les employés. 

Un jour, on retrouve dans l’hôtel quatre inconnus aux plaies purulentes. On ne pourra pas les garder, mais il est dans leur devoir d’au moins les soigner…

Le narrateur est notre œil naïf, cet homme de peu d’action, qui petit à petit arrête d’observer pour intervenir sur cette situation étrange et de plus en plus angoissante. Un topos du genre. La conjoncture va en s'empirant, et les plus intuitifs des hôtes sentent plus précocement la menace... Lorsqu’elle arrive, elle est racontée d’une voix blanche, et on entend cette voix-off des vieux films du genre, de L'Homme qui rétrécit à Planète interdite. 

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On l’apprendra à personne : les meilleures oeuvres SF constituent autant des métaphores politiques ou philosophiques, que des divertissements. Termush sans trop spoiler, peut être lue comme la métaphore d'un Occident riche et trop généreux, qui se perd dans ses bons sentiments. Dit autrement, des angoisses zemmouriennes… 

Il y a le médecin idéaliste qui, jusqu’à la chute, maintiendra ses idéaux d’altruisme et d’assistance, et longtemps se voilera la face. La masse des hôtes tiraillée entre leur instinct de survie - ou synonyme leur égoïsme -, et le respect des règles héritées de leurs anciennes éducations. La pleutre bourgeoisie veut bien se sauver en sacrifiant les inférieurs, mais en préservant les bonnes manières, le rituel, le protocole. (cf. Boule de Suif) Faut-il mourir avec ses idéaux, tirés de la morale chrétienne, ou favoriser sa sécurité à tout prix ?

Ce court roman raconte encore ce brouillage produit par le groupe, l’inertie qu’il provoque dans chaque individualité mise sous la tutelle d’une autorité, ici invisible et peu loquace sur les raisons de ses choix. Les « enfants de la République » pour les petits français par exemple, il faut bien entendre...

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Enfin, la réussite d’une œuvre de SF passe par des moments comme celui-ci : les chambres de Termush ont été aménagées pour ressembler à des chambres d’hôtes. Un jour, le narrateur, en fixant le mur, prend conscience de l’étrangeté de cette normalité. Une véritable Metanoïa.

Le lecteur de ce court roman, lui, doute de tout, et jusqu’au bout, alors que l’apparente normalité n’aura rien laissé transparaître de son caractère douteux, dira-t-on. 

Un texte à découvrir pour le plaisir suranné de cette ancienne science-fiction sans grandiloquence ni décors stylisés, où tout est investi dans le petit pas de côté de l’étrange. Ce sentiment devant un robot au visage quasi humain, un regard suspect dans la rue, qui anime l’imagination.

Parfois j’ai du mal à me plonger dans un bon roman, car je ne suis pas totalement concentrée, j’ai du mal à rentrer dans l’histoire, à retenir le nom des personnages. Quel plaisir alors de se plonger dans de la non-fiction !

J’ai lu récemment Vivre pour les caméras : ce que la téléréalité a fait de nous de Constance Vilanova, publié chez Lattès dans leur nouvelle collection « Nouveaux jours », des textes de socio très abordables.

J’avais déjà lu Les hommes hétéros le sont-ils vraiment ? de Léane Alestra et je trouve ces textes extrêmement intéressants, bien documentés, qui interrogent sur des concepts très contemporains et dont je ne me sens pas étrangère.

Les notes de lectures sont proposées par la librairie Un livre à soi.

Il y a près de vingt-cinq ans, la téléréalité faisait son apparition sur nos écrans pour ne jamais les quitter. Souvent jugée trop populaire ou abrutissante, elle a été délaissée par les médias traditionnels, reléguée au rang d'angle mort. Pourtant, diffusée à l'heure du goûter, elle a imposé une nouvelle esthétique, mêlant réalité reconstituée et intimité factice.

Elle a instauré des codes de communication désormais omniprésents, utilisés par tous, des influenceurs aux politiques. Constance Vilanova, spectatrice assidue depuis l'âge de dix ans, n'a jamais cessé de suivre ces émissions. Devenue journaliste, elle explore les raisons de notre mépris collectif pour ce phénomène.

Son enquête nous plonge au cœur de cette industrie : culte de l’individu, aspiration à la célébrité, banalisation de la chirurgie esthétique, apologie du clash et du harcèlement, romantisation des violences sexistes et sexuelles. Pendant que nous détournions le regard, la téléréalité a conquis les réseaux sociaux, continuant d’exploiter et d’amplifier les failles de notre société.

J’avais tenté il y a 1 an de lire Être à sa place de Claire Marin et vraiment je me suis sentie absolument ignare à la lecture, je ne comprenais pas grand-chose, j’ai abandonné au premier tiers, convaincu de ma stupidité.

Je ne comprends pas pourquoi parfois certains livres restent hors de notre portée, même quand fondamentalement les mots ne nous sont pas étrangers.

Les notes de lectures sont proposées par la librairie Un livre à soi.

« Ça commence parfois par une inquiétude ou un malaise. On se sent en décalage. On a le sentiment de ne pas « être à sa place ». Mais qu'est-ce qu'être à sa place, dans sa famille, son couple, son travail ? Quels sont les espaces, réels ou symboliques, qui nous accueillent ou nous rejettent ?

Faut-il tenter de conquérir les places qui nous sont interdites, à cause de notre genre, notre handicap, notre âge, notre origine ethnique ou sociale ? Peut-être faut-il transformer ces lieux de l'intérieur et s'y créer une place à soi ? » Claire Marin

Voici le deuxième tome d’une bande dessinée parmi les plus incroyables, graphiquement autant que scénaristiquement. Thacker et Ferris passeront de Copenhague en 2090 à l’Allemagne nazie de 1938, non sans oublier le monde jurassique.

Comme dans le numéro précédent, chaque fois que le protagoniste Shawn Thacker voyage dans le temps, Bermejo change son style artistique pour s’adapter à l’époque. Cela signifie des images hyperréalistes pour l’ère préhistorique, un aspect de bande dessinée plus traditionnel pendant l’Allemagne nazie et même des images en noir et blanc pendant le Sud de Jim Crow.

Alors que l’histoire avance (ou recule ?) vers un final époustouflant, les ennemis ancestraux camperont-ils sur leurs positions, ou cette relation meurtrière transcendera-t-elle le temps ?

Retrouver la chornique du tome 1

Au cœur de l'histoire littéraire de l'imaginaire, des figures emblématiques se détachent : Mary Shelley, Ursula K. Le Guin, Joanna Russ, Margaret Atwood, Octavia E. Butler, la non-binaire Rivers Solomon... Au XVIIe siècle, donc bien avant, Margaret Cavendish, pionnière dans le domaine de la science-fiction. Son texte, The Blazing World (Le Monde Glorieux), est considéré comme le premier roman du genre écrit par une femme. Elle est aussi une des premières femmes à publier ouvertement sous son nom.

Un texte publié en France par les éditions José Corti en 1999, qui rééditent l'ouvrage avec une postface inédite de la savante Frédérique Aït-Touati.

Line Cottegnies, traductrice du texte, a découvert le texte à l'occasion de sa thèse en Angleterre. L'autrice est un cas fascinant de femme sans éducation à la hauteur de ses co-religionnaire masculin, qui malgré tout casse le carreau de la vieille science occidentale : astronomie, mathématiques, politique, s'appuyant finalement sur sa perspective pour proposer une oeuvre d'une singularité peu commune.

Celle qui fut perçue comme une figure excentrique et presque folle à son époque, a travaillé méticuleusement à assurer sa postérité en envoyant ses œuvres aux institutions académiques majeures, comme Oxford, Cambridge ou Leiden. Pas si zinzin... Malgré tout, sa tenue et son apparence, souvent non conventionnelles, la distinguaient, mélange d'éléments masculins et féminins. Une curiosité publique. Ses écrits ont été accueillis avec scepticisme par ses contemporains masculins.

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Dans Le Monde Glorieux, une femme est transportée au pôle Nord où elle découvre un royaume extraordinaire, scintillant de pierres précieuses, et où elle est couronnée impératrice. Elle engage des débats philosophiques avec les résidents de ce monde, qui incluent des êtres humains, mais aussi des animaux et des insectes dotés de parole. Dans la seconde partie du roman, l'autrice elle-même, sous les traits de la duchesse de Newcastle, intervient dans le récit pour devenir la narratrice et confidente de son personnage principal.

Dans ce texte entre « proto-science fiction » et philosophie - certains diront que science fiction sans philosophie n'est que ruine de la DeLorean -, elle combine des éléments de science-fiction et de philosophie, explorant des thèmes tels que la nature animée et la critique de la guerre, en utilisant l'imaginaire pour contester les structures de pouvoir traditionnelles et promouvoir la paix. Celle qui fut traumatisée par les horreurs de la guerre civile, a envisagé une forme d'autocratie, à découvrir en se procurant l'ouvrage, comme seul moyen d'instaurer la paix.

Elle s'emploie à créer divers mondes selon les théories de penseurs renommés : Thalès, Pythagore, Platon, Épicure... Mais rencontre des difficultés à chaque tentative. Elle joue avec les idées pour illustrer leur relative applicabilité et finalement les rejeter en faveur de son propre monde imaginé. On l'a comprendra aisément.

« Mesdames et messieurs, chers et tendres enfants, a dit l’Homme en Rouge, vous qui avez le cœur trop sensible, cachez vos yeux derrière vos mains. Car il est là. Celui que le monde entier nous envie. Celui que tout le monde craint. Le seul et l’unique… Le Monstre d’Érêves ! »

Un cirque arrive : un cirque formidable, merveilleux… Un cirque tout aussi beau qu’effrayant. Une foule s’y précipite, dans la bonne humeur et l’anticipation. Et là, le monstre : dans sa cage, caché sous un large rideau. Certains disent l’avoir vu, savoir son horreur, pouvoir à peine supporter la vue d’un tel être…

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Ce n’est que le deuxième soir que le rideau tombe pour réellement dévoiler à tous l’identité du monstre. Et quoi de plus terrible que de découvrir qu’il s’agit d’un simple petit garçon ?

Stéphane Servant tisse un récit tendre et déchirant, dans lequel la peur est source de tant d’horreurs. Les illustrations magistrales de Nicolas Zouliamis permettent de transmettre l’histoire de ce petit monstre qui n’en est pas un. Pas besoin de mots, ici : les images parlent d’elles-mêmes.

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Une histoire d’une grande tristesse qu’on comprend avec évidence : un déménagement, des disputes dans une famille qui se perd, la détresse de ce jeune garçon qui ne peut plus supporter d’entendre ses parents hurler — et le bruit de la télévision ne sert plus à couvrir ces moments de colère. Alors il décide de partir. De fuguer. Sans savoir que ses pas vont le mener jusqu’au lac, là où il finira pas se perdre et être repêché par un étrange groupe de forains.

« On aime à dire des saisons de l’Archimonde qu’elles sont comme les différentes phases d’une seule respiration. Je préfère, pour ma part, les regarder comme une danse, comme un déroulé de geste répétitifs mais chaque fois dissemblables. Des petits pas dans un sens, des petits pas dans l’autre, nous toutes emportées dans les vastes bras du temps. »

La porte est ouverte : L’Archimonde, univers qui accueille des peuples magiques, des animaux doués de parole, des êtres malicieux, des enfants pleins de courage, des créatures effrayantes ou attendrissantes…

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Notre aventure débute avec Patito, jeune naufrageur de Grouille : amateur de farces et d’histoires drôles, bagarreur sans peur (quoique), encore doté de l’innocence de son âge. Débarque Syzygie, une géante cabatique ; bien que son apparence peut d’abord faire peur, sa personnalité vient adoucir le tableau – si bien qu’on oublie vite ses grosses paluches et ses dents pointues. Autre détail : sa voix d’or… Une voix dite magique, qui attire l’attention d’individus mal intentionnés.

Premier tome d’une série de dix. Oui, DIX.

Mille saisons s’annonce comme une belle épopée haute en couleurs, avec des personnages attachants et la plume de Léo Henry, toujours aussi intelligente et délicieuse.

Le Caire, années 1980. La vie ordonnée de Tarek se transforme en prison dorée. Jeune médecin, il succède à son père à la tête du cabinet familial. Son quotidien oscille entre une profession exigeante et une vie de famille complexe, peuplée d'une épouse discrète mais aimante, d'une matriarche autoritaire passionnée par la France, d'une sœur confidente et d'une domestique détentrice des secrets de famille.

L'initiative de Tarek d'ouvrir un dispensaire dans le quartier défavorisé du Moqattam lui offre un renouveau, redonnant du sens à son engagement professionnel. Cette nouvelle activité prend un tournant inattendu lorsqu'une amitié surprenante se noue entre lui et Ali, un résident du quartier que Tarek décide de protéger.

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Comment un homme qui semble manquer de tout peut-il enrichir la vie de celui qui paraît tout posséder ? Bientôt, un vent de liberté souffle sur l'existence de Tarek, remettant en question ses convictions et bouleversant son existence.

En plein milieu du XIXe siècle, la conquête de l’Algérie par la République française s’achève, bien que la pacification et la colonisation de peuplement forcé se poursuivent, marquées par des massacres atroces parmi les natifs. Mathieu Belezi, dans Le Temps des crocodiles, raconte les exactions abominables menées par le capitaine Albert Vandel, chef d’une centaine de zéphyrs, ces soldats en capotes bleues et pantalons rouges.

Ils sont accompagnés de cantinières, de chameliers, d’un « grand nègre fort comme un Turc » et d’un perroquet loquace. Leur objectif : une oasis de cinquante mille palmiers où Vandel rêve de régner en sultan, prêt à commettre les pires atrocités pour imposer son autorité.

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Ce récit, revisité par l’auteur pour cette édition, plonge le lecteur dans l’horreur de la colonisation en Algérie. La barbarie la plus pure y est décrite : femmes empalées, têtes décapitées, corps torturés. La prose de Belezi, imagée et itérative, adopte une forme presque contée, sans majuscules ni points, et renforce l’impact de cette violence brute.

Les illustrations de Kamel Khélif, en noir et dégradés de brun, ajoutent une dimension artistique à ce texte cru et évocateur, rappelant des végétaux fossilisés dans la pierre.

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Le capitaine Vandel, personnage central, incarne l’esprit colonialiste de l’époque. Il tue hommes, femmes et enfants sur son passage, imposant de nouvelles règles sans considération pour les populations locales. Ce roman historique éclaire la barbarie subie par les civils algériens, soulignant la brutalité et l’inhumanité de cette période.

Mathieu Belezi, après Le Petit Roi, continue de marquer les esprits avec ce récit sensible et poétique, dépourvu de sentimentalisme et de jugement. Son écriture en prose, épurée de ponctuation, imprime un rythme unique au récit. Ce livre, agrémenté des dessins de Khélif, mérite une place de choix dans votre bibliothèque, tant pour son écriture que pour l’histoire poignante qu’il raconte.

Aucun souvenir assez solide, comme si la mémoire se limitait à une boîte de stockage pour données fragiles. Non ? Dans ce recueil, Alain Damasio explore diverses facettes de la société, des technologies, et de la nature humaine à travers des histoires variées, souvent teintées de science-fiction et d’anticipation. 

Les amateurs et connaisseurs savent que les thèmes recoupent déjà ceux des « Furtifs » ou encore de « La Horde du contrevent », avec un style plus ciselé. Etonnante écriture de Damasio, qui s’adapte aussi bien à la concision qu’à l’ampleur. 

Au fil des récits, on parle assez logiquement de mémoire, de l’identité, aussi bien (ou mal) que d’amour, de résistance face à la technologie intrusive (autant qu’exclusive), ou, dans une perspective chère aux livres de Philip K. Dick, de la nature même de la réalité. 

Logiquement, on y retrouve sa vision critique de la société contemporaine et des dérives possibles de la technologie.

Chaque nouvelle nous plonge dans un univers unique et riche, reflétant les préoccupations de l’auteur concernant l’avenir de l’humanité et le rôle de la technologie dans nos vies.

Un véritable bijou, qui renferme des lectures époustouflantes.

Hellboy, créé par Mike Mignola et scénarisé en collaboration avec John Byrne, est bien plus qu’un simple album de bande dessinée. Publié pour la première fois en 1994 (2002 pour sa traduction en France, par Anne Capuron et Nick Meylaender), il pose les bases d’un univers à la fois riche et sombre, devenu culte dans le monde des comics indépendants. Et Delcourt en propose une édition spéciale pour le 30e anniversaire de la parution…

Le style graphique de Mignola a été mille fois loué, commenté : il est immédiatement reconnaissable, marqué par des traits anguleux et une utilisation magistrale des ombres et des aplats noirs. Ces éléments créent une ambiance mystique et inquiétante, parfaitement en adéquation avec le ton des récits. Les influences de Mignola, notamment celles de HP Lovecraft et d’Edgar Allan Poe, se ressentent dans la profondeur narrative et l’horreur occultiste qui imprègnent chaque page.

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Quant aux scénarios de John Byrne, qu’ajouter ? La quête identitaire de Hellboy, tiraillé entre ses origines démoniaques et son humanité adoptée, se décline en de multiples illustrations : tragique et sublime, constamment en balance…

Il s’agit tout bonnement d’une série incontournable pour les amateurs de comics et de récits fantastiques. Son succès a non seulement engendré une multitude de séries dérivées et d’adaptations cinématographiques, mais a également consolidé la place de Mike Mignola parmi les grands noms de la bande dessinée contemporaine.

Un album à découvrir absolument pour son univers unique et son ambiance inimitable.

En 1699, Ilaria Tagianotte naît à Venise dans une famille de marchands d'étoffes. Ses parents, Francesca et Giacomo, ayant perdu trois enfants, la confient à la Pietà, une institution religieuse renommée pour son enseignement musical sous la direction de maîtres comme Antonio Vivaldi.

Dès son jeune âge, elle montre un intérêt pour la musique. Placée en pouponnière, elle apprend à lire et rêve de jouer du violon. Elle devient copiste de Vivaldi et découvre sa passion pour la musique, véritable voix intérieure. La Pietà, avec ses 867 pensionnaires, est un univers clos où les jeunes filles interprètent des œuvres derrière des grilles de fer lors de concerts prisés par les Vénitiens.

Déchirée entre son amour pour la musique et ses premiers émois amoureux, notamment pour Paolo, le frère de Prudenza, Ilaria est consumée par de nouveaux sentiments, un feu intérieur qui transforme son existence. Sa relation avec Paolo et son attachement à Prudenza ajoutent des couches de complexité à sa quête personnelle.

Léonor de Récondo capture l'essence de cette époque, où Venise, bien que déclinante, reste une ville de palais, de théâtres et de carnavals. L'auteur nous transporte avec une plume poétique et sensible dans un monde où la musique est une évasion et une passion dévorante. Ilaria, à travers ses expériences et découvertes, incarne cette dualité, cherchant à concilier son amour pour le violon et les affections humaines.

Une ode à la musique et à la féminité, où l'apprentissage et les émotions se mêlent pour donner vie à un personnage attachant. L'histoire d'Ilaria, entre solitude et découvertes, nous tient en haleine jusqu'à un final explosif, semblable à un feu d'artifice, symbolisant sa passion pour la musique et la vie.

« Il était une fois un conte qui errait sans fin dans l’immensité du monde : éclaté, gâté, morcelé, abîmé, tout éparpillé. Il attendait tranquillement son heure, tapi dans la nuit. Il attendait. Il attendait les premières lueurs d’un matin pâle qui chuchotent à l’oreille du rêveur : le cauchemar n’est que le prolongement de ton âme. »

Tout commence par l’annonce d’un mariage. Une joyeuse nouvelle ! … ou absolument pas. Eugénie, 16 ans, naïve et pourtant intrépide, est mariée de force par son père. L’homme en question est le Roi Barbiche. Mystérieux, charismatique, presque charmant…

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Arrivée chez son mari, dans un sinistre château au cœur d’une île embrumée, elle est accueillie par Lanterne, laquais à mi-chemin entre un vieil homme et un enfant. Il la guide dans des couloirs où pénombre et curiosités en tout genre se côtoient. Un lieu qui finit par dévoiler la nature terrifiante du Roi Barbiche, aussi malveillant que violent...

Dans ce court roman plein de noirceur, Lucie Baratte nous plonge dans une réincarnation des contes et mythes dans lesquels une jeune femme espère rencontrer le prince charmant avant de découvrir que la réalité est d’une absurdité déconcertante.

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Avec une certaine touche de modernité, l’autrice propose de s’interroger sur ces histoires qui ont bercé notre enfance — et surtout, de s’en défaire. De les saisir, leur tordre le cou et enfin se donner une chance de voir les choses sous un autre jour.

Voilà un récit plein de lucidité… et de lumière.